Vanguardismo

CREACIONISMO:

La obra literaria es totalmente autónoma del mundo. El poeta debe dejar ya de  cantar a la naturaleza; lo que tiene que hacer es imitar a la naturaleza,  eliminar todo lo descriptivo o anecdótico. Hay que "hacer un poema como  la naturaleza hace un árbol". La poesía es universal, y, por tanto, traducible,  lo que nos permite comparar esta concepción poética con la defendida por  Ezra Pound, quien, al igual que Huidobro, aunaba la aportación teórica con la  producción poética. La poesía es un instrumento de creación absoluta.  Hallaría su significado en ella misma, obviando la función referencial del   lenguaje, es decir, el mundo de los objetos sería secundario, creando  un mundo referencial de la propia poesía. Así, el objeto en sí es el poema,  no de lo que trate el poema. Suprimen los signos de puntuación Yuxtaposición   gratuita de imágenes, sin referente claro Ilaciones semánticas de las imágenes,  sin un hilo conductor aparente. El poeta debe crear el poema tal como la  naturaleza crea el árbol Prescinde de lo anecdótico, de lo descriptivo. Se denomina creacionismo a la creencia, inspirada en dogmas religiosos, que  dicta que la Tierra y cada ser vivo que existe actualmente proviene de un acto  de creación por un ser divino, habiendo sido creados ellos de acuerdo con  un propósito divino. El creacionismo se destaca principalmente por los   "movimientos antievolucionistas", tales como el diseño inteligente, cuyo principal  objetivo es obstaculizar o impedir la enseñanza de la evolución biológica en las  escuelas y universidades. El movimiento creacionista políticamente más activo y  conocido es de origen cristiano protestante, Como el creacionismo es una  ideología independiente, según esta ideología, la Tierra es joven y no tiene más  de seis mil años de antigüedad. Teoría biológica según la cual las especies  vivientes han sido siempre las mismas y no han sufrido evolución alguna  desde su creación, Movimiento literario hispanoamericano iniciado por el  poeta chileno Vicente Huidobro, defensor de la necesidad de crear poemas  del mismo modo que la naturaleza crea árboles, El Creacionismo literario es  un movimiento poético de vanguardia en el cual se observan influencias del  Cubismo, el Futurismo y el Dadaísmo. Tiene ciertas afinidades con el Ultraísmo  ya que tienen raíces comunes. Se manifiesta como un aspecto de la poesía hispanoamericana de vanguardia.  Hace la distinción entre literatura, creación libre, sin compromisos con la   realidad. Se propone una realidad nueva,desprendida de toda realidad fuera  de la suya propia. Uso de la palabra como elemento esencial en las creaciones.   Uso de los recursos estilísticos vanguardistas: eliminación de los nexos  gramaticales, la puntuación, entre otras. Los versos se disponen de manera  peculiar, Se inició en 1916 en París por el poeta chileno Vicente Huidobro y  con el francés Reverdy. Huidobro (1893-1941) es una figura clave en la  renovación de la poesía hispanoamericana.

La proyección de un mundo devastado por el progreso tecnológico y la industria. La teoría del hombre-hormiga que plantea al humano como un ser autómata. La inconsistencia de las leyes creadas por el hombre aplicadas a sí mismo. El declive del cristianismo como dogma de fe y el surgimiento de una nueva era. La vida planteada como un descenso lento, paradójico, lleno de amarguras, decepción y algunas dichas. La proyección de un mundo devastado por el progreso tecnológico y la industria. La teoría del hombre-hormiga que plantea al humano como un ser autómata. La inconsistencia de las leyes creadas por el hombre aplicadas a sí mismo. El declive del cristianismo como dogma de fe y el surgimiento de una nueva era. La vida planteada como un descenso lento, paradójico, lleno de amarguras, decepción y algunas dichas.

Desarrollo en el siglo XXANALISIS LITERARIO ANALISIS LITERARIO Artista provocador y revolucionario, Marcel Duchamp (Blainville-Crevon, 1887-Neuilly, París, 1968) es una de las figuras más influyentes del siglo XX. Se hizo famoso con Desnudo bajando la escalera, en la que combina futurismo y cubismo, pero pronto abandona los medios convencionales y se convierte en uno de los principales dadaístas. En 1913 inventa el ready-made y, entre 1915 y 1923 se dedica a su obra principal: El gran vidrio. Durante la década de 1920 combinó la idea de la máquina con la de futilidad, construyendo complicados artilugios mecánicos, precursores del arte cinético. Pero, después de realizar El gran vidrio, abandonó prácticamente el arte para dedicarse al ajedrez. Fue un jugador bastante bueno y llegó a representar a Francia en cuatro olimpiadas. Tras su muerte, se descubrió que había estado trabajando durante veinte años en su Etant donnés, actualmente, y como la mayor parte de su producción, en el Museo de Arte de Philadelphia.

Para valorar adecuadamente la obra maestra de Marcel Duchamp La novia desnudada por sus solteros, incluso. El gran vidrio, conviene hacer un breve repaso de las circunstancias biográficas que condicionaron tanto su génesis como su aventurada ejecución. Duchamp pasó por una honda crisis personal y profesional en 1912: tras visitar el Salón de la Locomoción Aérea de París y ver una representación teatral de Impresiones de áfrica, de Raymond Roussel, experimentó la sensación de que el arte, tal como se había concebido hasta entonces, se hallaba en un callejón sin salida. Decidió entonces abandonar su pretensión de seguir una carrera como pintor, buscó un empleo burocrático en la Biblioteca de Sainte Geneviève, y dedicó su tiempo libre a complejas especulaciones teóricas. De esa actitud derivan sus primeras anotaciones para El gran vidrio, y también los ready-mades, cuyo primer exponente, La rueda de bicicleta sobre un taburete, fue ejecutado en 1913. Hasta 1915 no empezó a trabajar sobre el cristal propiamente dicho, cuando ya se había trasladado a Nueva York huyendo, según se dice, del asfixiante patrioterismo generado por la Gran Guerra.
La obra consta de dos grandes paneles de vidrio superpuestos, sobre los cuales “pintó” Duchamp diversos elementos de apariencia biomórfica y mecánica. Predomina el óleo, con hilos de plomo en los contornos de las figuras, pero también empleó otros materiales, como el polvo del estudio, fijado con pegamento, en el interior de las “cribas” del panel inferior. La novia... progresó con lentitud: se trataba de un empeño artesanal muy laborioso, ciertamente, pero tampoco Duchamp tenía totalmente resueltos los problemas teóricos e iconográficos que se había planteado, y muy en particular el más importante de todos: ¿de qué modo debería producirse la conexión entre los solteros y la novia, colgada en la parte más elevada? El artista dejó la obra inconclusa en 1923 y regresó temporalmente a Europa. En 1926, tras una exposición en el Museo de Brooklyn, sufrió una rotura accidental. En 1936 Duchamp, finalmente, restauró la obra con la ayuda de un cristalero, y fue entonces, al reconocer la hermosa simetría de las grietas, cuando la consideró definitivamente acabada.
El panel inferior está dedicado a los solteros, pero no hay allí un único y estrafalario mecanismo, sino dos, de funcionamiento independiente, y relativamente plausible, a los cuales hemos denominado “máquina solipsista” y “aparato conjuntivo”. Los principales elementos del primero de ellos son el trineo, la rueda de molino, las aspas y el molino de chocolate; el segundo consta de los moldes málicos, los filamentos, las cribas, la espiral (no representada) y los testigos oculistas. En el cristal superior la novia está compuesta por la vía láctea (con tres grandes agujeros rectangulares) y el aparato del deseo (a la izquierda). Este elemento fue copiado de otro cuadro anterior del propio Duchamp titulado La casada (1912).
Es obvia la temática amorosa. Duchamp la concibió imbuido del espíritu antirromántico del futurismo, y la ejecutó en su mayor parte impregnado del sarcástico humorismo propio del dadaísmo. Allí estaban los solteros de la maquina solipsista, atrapados por una circularidad mecánica, que parece una metáfora masturbatoria (“el soltero se muele su propio chocolate”, escribió Duchamp); pero también pugnaban (mediante el aparato conjuntivo) por hacer llegar a la novia, colgada en la parte alta, una especie gas amoroso. La figura femenina estimulaba las demandas de los solteros mediante movimientos y mensajes. Se trata de una parodia del amor mecánico del mundo moderno, así como de una representación de las dificultades del encuentro entre la esfera masculina y la remota elevación femenina. Su fría poesía, distanciada y hermética, hace de este trabajo uno de los más hermosos de todo el arte contemporáneo.
La rotura accidental se produjo una vez desmontada la obra, con los dos vidrios superpuestos, uno encima del otro, lo cual resolvió el problema del encuentro entre el panel de los solteros y el femenino. Las grietas simétricas entre ambas mitades crearon una conexión permanente entre la novia y los solteros. Esto fue reconocido y aceptado por Duchamp, que debió ver entusiasmado cómo la colaboración del “azar objetivo”, típicamente surrealista, había solucionado el problema que el artista no había podido resolver cuando abandonó la obra en 1923. El gran vidrio es, pues, como un fantástico relato de amor, plagado de aventuras, con el lógico final feliz del encuentro entre los entes deseantes. Para valorar adecuadamente la obra maestra de Marcel Duchamp La novia desnudada por sus solteros, incluso. El gran vidrio, conviene hacer un breve repaso de las circunstancias biográficas que condicionaron tanto su génesis como su aventurada ejecución. Duchamp pasó por una honda crisis personal y profesional en 1912: tras visitar el Salón de la Locomoción Aérea de París y ver una representación teatral de Impresiones de áfrica, de Raymond Roussel, experimentó la sensación de que el arte, tal como se había concebido hasta entonces, se hallaba en un callejón sin salida. Decidió entonces abandonar su pretensión de seguir una carrera como pintor, buscó un empleo burocrático en la Biblioteca de Sainte Geneviève, y dedicó su tiempo libre a complejas especulaciones teóricas. De esa actitud derivan sus primeras anotaciones para El gran vidrio, y también los ready-mades, cuyo primer exponente, La rueda de bicicleta sobre un taburete, fue ejecutado en 1913. Hasta 1915 no empezó a trabajar sobre el cristal propiamente dicho, cuando ya se había trasladado a Nueva York huyendo, según se dice, del asfixiante patrioterismo generado por la Gran Guerra.La obra consta de dos grandes paneles de vidrio superpuestos, sobre los cuales “pintó” Duchamp diversos elementos de apariencia biomórfica y mecánica. Predomina el óleo, con hilos de plomo en los contornos de las figuras, pero también empleó otros materiales, como el polvo del estudio, fijado con pegamento, en el interior de las “cribas” del panel inferior. La novia... progresó con lentitud: se trataba de un empeño artesanal muy laborioso, ciertamente, pero tampoco Duchamp tenía totalmente resueltos los problemas teóricos e iconográficos que se había planteado, y muy en particular el más importante de todos: ¿de qué modo debería producirse la conexión entre los solteros y la novia, colgada en la parte más elevada? El artista dejó la obra inconclusa en 1923 y regresó temporalmente a Europa. En 1926, tras una exposición en el Museo de Brooklyn, sufrió una rotura accidental. En 1936 Duchamp, finalmente, restauró la obra con la ayuda de un cristalero, y fue entonces, al reconocer la hermosa simetría de las grietas, cuando la consideró definitivamente acabada.
El panel inferior está dedicado a los solteros, pero no hay allí un único y estrafalario mecanismo, sino dos, de funcionamiento independiente, y relativamente plausible, a los cuales hemos denominado “máquina solipsista” y “aparato conjuntivo”. Los principales elementos del primero de ellos son el trineo, la rueda de molino, las aspas y el molino de chocolate; el segundo consta de los moldes málicos, los filamentos, las cribas, la espiral (no representada) y los testigos oculistas. En el cristal superior la novia está compuesta por la vía láctea (con tres grandes agujeros rectangulares) y el aparato del deseo (a la izquierda). Este elemento fue copiado de otro cuadro anterior del propio Duchamp titulado La casada (1912).
Es obvia la temática amorosa. Duchamp la concibió imbuido del espíritu antirromántico del futurismo, y la ejecutó en su mayor parte impregnado del sarcástico humorismo propio del dadaísmo. Allí estaban los solteros de la maquina solipsista, atrapados por una circularidad mecánica, que parece una metáfora masturbatoria (“el soltero se muele su propio chocolate”, escribió Duchamp); pero también pugnaban (mediante el aparato conjuntivo) por hacer llegar a la novia, colgada en la parte alta, una especie gas amoroso. La figura femenina estimulaba las demandas de los solteros mediante movimientos y mensajes. Se trata de una parodia del amor mecánico del mundo moderno, así como de una representación de las dificultades del encuentro entre la esfera masculina y la remota elevación femenina. Su fría poesía, distanciada y hermética, hace de este trabajo uno de los más hermosos de todo el arte contemporáneo.
La rotura accidental se produjo una vez desmontada la obra, con los dos vidrios superpuestos, uno encima del otro, lo cual resolvió el problema del encuentro entre el panel de los solteros y el femenino. Las grietas simétricas entre ambas mitades crearon una conexión permanente entre la novia y los solteros. Esto fue reconocido y aceptado por Duchamp, que debió ver entusiasmado cómo la colaboración del “azar objetivo”, típicamente surrealista, había solucionado el problema que el artista no había podido resolver cuando abandonó la obra en 1923. El gran vidrio es, pues, como un fantástico relato de amor, plagado de aventuras, con el lógico final feliz del encuentro entre los entes deseantes. La obra consta de dos grandes paneles de vidrio superpuestos, sobre los cuales “pintó” Duchamp diversos elementos de apariencia biomórfica y mecánica. Predomina el óleo, con hilos de plomo en los contornos de las figuras, pero también empleó otros materiales, como el polvo del estudio, fijado con pegamento, en el interior de las “cribas” del panel inferior. La novia... progresó con lentitud: se trataba de un empeño artesanal muy laborioso, ciertamente, pero tampoco Duchamp tenía totalmente resueltos los problemas teóricos e iconográficos que se había planteado, y muy en particular el más importante de todos: ¿de qué modo debería producirse la conexión entre los solteros y la novia, colgada en la parte más elevada? El artista dejó la obra inconclusa en 1923 y regresó temporalmente a Europa. En 1926, tras una exposición en el Museo de Brooklyn, sufrió una rotura accidental. En 1936 Duchamp, finalmente, restauró la obra con la ayuda de un cristalero, y fue entonces, al reconocer la hermosa simetría de las grietas, cuando la consideró definitivamente acabada.El panel inferior está dedicado a los solteros, pero no hay allí un único y estrafalario mecanismo, sino dos, de funcionamiento independiente, y relativamente plausible, a los cuales hemos denominado “máquina solipsista” y “aparato conjuntivo”. Los principales elementos del primero de ellos son el trineo, la rueda de molino, las aspas y el molino de chocolate; el segundo consta de los moldes málicos, los filamentos, las cribas, la espiral (no representada) y los testigos oculistas. En el cristal superior la novia está compuesta por la vía láctea (con tres grandes agujeros rectangulares) y el aparato del deseo (a la izquierda). Este elemento fue copiado de otro cuadro anterior del propio Duchamp titulado La casada (1912).
Es obvia la temática amorosa. Duchamp la concibió imbuido del espíritu antirromántico del futurismo, y la ejecutó en su mayor parte impregnado del sarcástico humorismo propio del dadaísmo. Allí estaban los solteros de la maquina solipsista, atrapados por una circularidad mecánica, que parece una metáfora masturbatoria (“el soltero se muele su propio chocolate”, escribió Duchamp); pero también pugnaban (mediante el aparato conjuntivo) por hacer llegar a la novia, colgada en la parte alta, una especie gas amoroso. La figura femenina estimulaba las demandas de los solteros mediante movimientos y mensajes. Se trata de una parodia del amor mecánico del mundo moderno, así como de una representación de las dificultades del encuentro entre la esfera masculina y la remota elevación femenina. Su fría poesía, distanciada y hermética, hace de este trabajo uno de los más hermosos de todo el arte contemporáneo.
La rotura accidental se produjo una vez desmontada la obra, con los dos vidrios superpuestos, uno encima del otro, lo cual resolvió el problema del encuentro entre el panel de los solteros y el femenino. Las grietas simétricas entre ambas mitades crearon una conexión permanente entre la novia y los solteros. Esto fue reconocido y aceptado por Duchamp, que debió ver entusiasmado cómo la colaboración del “azar objetivo”, típicamente surrealista, había solucionado el problema que el artista no había podido resolver cuando abandonó la obra en 1923. El gran vidrio es, pues, como un fantástico relato de amor, plagado de aventuras, con el lógico final feliz del encuentro entre los entes deseantes. El panel inferior está dedicado a los solteros, pero no hay allí un único y estrafalario mecanismo, sino dos, de funcionamiento independiente, y relativamente plausible, a los cuales hemos denominado “máquina solipsista” y “aparato conjuntivo”. Los principales elementos del primero de ellos son el trineo, la rueda de molino, las aspas y el molino de chocolate; el segundo consta de los moldes málicos, los filamentos, las cribas, la espiral (no representada) y los testigos oculistas. En el cristal superior la novia está compuesta por la vía láctea (con tres grandes agujeros rectangulares) y el aparato del deseo (a la izquierda). Este elemento fue copiado de otro cuadro anterior del propio Duchamp titulado La casada (1912).Es obvia la temática amorosa. Duchamp la concibió imbuido del espíritu antirromántico del futurismo, y la ejecutó en su mayor parte impregnado del sarcástico humorismo propio del dadaísmo. Allí estaban los solteros de la maquina solipsista, atrapados por una circularidad mecánica, que parece una metáfora masturbatoria (“el soltero se muele su propio chocolate”, escribió Duchamp); pero también pugnaban (mediante el aparato conjuntivo) por hacer llegar a la novia, colgada en la parte alta, una especie gas amoroso. La figura femenina estimulaba las demandas de los solteros mediante movimientos y mensajes. Se trata de una parodia del amor mecánico del mundo moderno, así como de una representación de las dificultades del encuentro entre la esfera masculina y la remota elevación femenina. Su fría poesía, distanciada y hermética, hace de este trabajo uno de los más hermosos de todo el arte contemporáneo.
La rotura accidental se produjo una vez desmontada la obra, con los dos vidrios superpuestos, uno encima del otro, lo cual resolvió el problema del encuentro entre el panel de los solteros y el femenino. Las grietas simétricas entre ambas mitades crearon una conexión permanente entre la novia y los solteros. Esto fue reconocido y aceptado por Duchamp, que debió ver entusiasmado cómo la colaboración del “azar objetivo”, típicamente surrealista, había solucionado el problema que el artista no había podido resolver cuando abandonó la obra en 1923. El gran vidrio es, pues, como un fantástico relato de amor, plagado de aventuras, con el lógico final feliz del encuentro entre los entes deseantes. Es obvia la temática amorosa. Duchamp la concibió imbuido del espíritu antirromántico del futurismo, y la ejecutó en su mayor parte impregnado del sarcástico humorismo propio del dadaísmo. Allí estaban los solteros de la maquina solipsista, atrapados por una circularidad mecánica, que parece una metáfora masturbatoria (“el soltero se muele su propio chocolate”, escribió Duchamp); pero también pugnaban (mediante el aparato conjuntivo) por hacer llegar a la novia, colgada en la parte alta, una especie gas amoroso. La figura femenina estimulaba las demandas de los solteros mediante movimientos y mensajes. Se trata de una parodia del amor mecánico del mundo moderno, así como de una representación de las dificultades del encuentro entre la esfera masculina y la remota elevación femenina. Su fría poesía, distanciada y hermética, hace de este trabajo uno de los más hermosos de todo el arte contemporáneo.La rotura accidental se produjo una vez desmontada la obra, con los dos vidrios superpuestos, uno encima del otro, lo cual resolvió el problema del encuentro entre el panel de los solteros y el femenino. Las grietas simétricas entre ambas mitades crearon una conexión permanente entre la novia y los solteros. Esto fue reconocido y aceptado por Duchamp, que debió ver entusiasmado cómo la colaboración del “azar objetivo”, típicamente surrealista, había solucionado el problema que el artista no había podido resolver cuando abandonó la obra en 1923. El gran vidrio es, pues, como un fantástico relato de amor, plagado de aventuras, con el lógico final feliz del encuentro entre los entes deseantes. La rotura accidental se produjo una vez desmontada la obra, con los dos vidrios superpuestos, uno encima del otro, lo cual resolvió el problema del encuentro entre el panel de los solteros y el femenino. Las grietas simétricas entre ambas mitades crearon una conexión permanente entre la novia y los solteros. Esto fue reconocido y aceptado por Duchamp, que debió ver entusiasmado cómo la colaboración del “azar objetivo”, típicamente surrealista, había solucionado el problema que el artista no había podido resolver cuando abandonó la obra en 1923. El gran vidrio es, pues, como un fantástico relato de amor, plagado de aventuras, con el lógico final feliz del encuentro entre los entes deseantes. 

Características del Creacionismo literario:

 Analisis obra: Altazor (Vicente Huidobro)

Movimiento literario vanguardista. Surgió en ele primer  tercio del siglo XX, en Paris.Se creo debido al rechazo hacia otros movimientos literarios. El genero mas cultivado  fue la poesía lirica. El autor debe  descubrir el significado interno y latente de la palabra, despojándola de su significado literal. Prescinde lo anecdótico, de lo descriptivo. La palabra es la parte esencial de la creación. El poema creacionista , se compone de imágenes, situaciones, y conceptos creados. Para los poetas creacionistas lo mas importantes presentar nuevas ideas. Hace distinción entre la literatura, creación libre, sin compromisos con la realidad. Se propone una realidad nueva, desprendida de toda realidad común. Uso de los textos estilísticos vanguardistas: eliminación de los nexos gramaticales, la puntuación entre otros.Los versos se disponen de manera peculiar.

Altazor o el viaje en paracaídas, es un poema escrito en VII cantos, es el poema más extenso de Vicente Huidobro. La escritura del poema se extendió por 12 años (1919 al 1931)aunque durante ese período partes del mismo fueron publicados en diversos diarios y revistas. La escritura del poema se extendió por 12 años (1919 al 1931) aunque durante ese período partes del mismo fueron publicados en diversos diarios y revistas.

El poema comienza con el prefacio en donde narra su origen, y su inevitable fin .Altazor comprende que el nacer es comenzar la caída inevitable. La vida, lo intermedio entre el nacimiento y la muerte es la caída. Después, habla sobre los poemas.

Continuando con el poema, el primer canto nos da el contexto histórico- social de Huidobro, nos habla de que la Europa enterró a sus muerto critica al hombre-hormiga como la desaparición de la individualidad, la humanidad se ha convertido en un solo hombre-hormiga, reitera la pobreza del hombre al decir que el hombre del futuro se burlara de él. Huidobro utiliza las imágenes su poesía para crear imágenes en movimiento como se ve en se siguiente verso que pareciera recrear el contexto posterior a la Primera Guerra Mundial.

En segundo canto se habla de la mujer, pero leyendo más a fondo nos damos cuenta que la mujer es la forma que el autor de da a la poesía, que se siente destinado a estar con ella y junto a ella. En el canto número tres, habla de la palabra como la creadora, Huidobro le da características de mujer, dependiente y encerada, un ser al que no se le ha dejado volar libre

El tercer poema habla también de la fuerza de las palabras que uno utilizamos, de todo el potencial perdido y la necesidad de utilizarlo. El resto de cantos es una tentativa de asesinato de la realidad aplastante al utilizar nueva poesía, dolorosa por la concientización del poeta, pero también mágica por las nuevas formas que toma.Altazor es un poema paradójico en todo sentido, pues tiene plena conciencia de su fin, pero que también es consciente de lo desea. Se enfrenta a un destino del que huye. La caída es una alegoría del camino que quiere seguir para deslindarse de todas las formalidades vacías que le rodean y llegar al final del viaje en su propia muerte. Es el momento de ver con claridad todo lo establecido en la sociedad moderna, que no funciona, a medida que se le quita el miedo inicial, adquiere conciencia que lo vuelve más crítico con lo que le rodea. Finaliza con la muerte de Altazor es la figuración de la muerte del lenguaje.

Ideas principales:

Altazor:

Alrededor de 1930 fue cuando dio los toques finales a sus dos obras cumbres, dos poemarios que, desde el momento mismo de su aparición estaban llamados a situarse en los puestos cimeros de la literatura universal. Por aquel entonces, Huidobro estaba en el apogeo de su fama, y gozaba del éxito obtenido por su novela fílmica Mío Cid Campeador (1929), en la que el propio poeta -que alardeaba de ser descendiente de Rodrigo Díaz de Vivar- identificaba su relación amorosa con Ximena Amunátegui como una reencarnación moderna de la pareja formada por El Cid y Doña Jimena.

La peripecia que había dado lugar a esta unión no puede ser más rocambolesca: en 1925, coincidiendo con su regreso a Chile y su fracaso en el intento de tomar parte activa en la política de su país, el gran poeta había conocido a Ximena, una joven estudiante de quince años de edad, por la que abandonó a su mujer (con la que llevaba casado más de quince años) y a sus hijos. Ximena no sólo era menor de edad, sino hija de un poderoso prócer chileno, quien se opuso tajantemente a su unión con el poeta. Huidobro marchó entonces a París, cerró la casa de Montmartre donde había residido con su familia, y se trasladó a Nueva York, donde cosechó algún éxito como escritor de guiones cinematográficos.

Altazor o el viaje en paracaídas, es un poema escrito en VII cantos, es un poema muy extenso. La escritura del poema duro 12 años (1919 al 1931)aunque durante ese período partes del mismo fueron publicados en diversos diarios y revistas.

El poema comienza con el prefacio en donde narra su origen, y su inevitable fin. Altazor comprende que el nacer es comenzar la caída inevitable. La vida, lo intermedio entre el nacimiento y la muerte es la caída. Después, habla sobre los poemas, los define como fuego. 

En segundo canto se habla de la mujer, pero leyendo más a fondo nos damos cuenta que la mujer es la forma que el autor de da a la poesía, que se siente destinado a estar con ella y junto a ella.

En el canto número tres, habla de la palabra como la creadora, Huidobro le da características de mujer, dependiente y encerada, un ser al que no se le ha dejado volar libremente.

Este poema es paradójico en todo sentido, pues   tiene plena conciencia de su fin, pero que también es consciente de lo desea. 

Se enfrenta a un destino del que huye. La caída es una alegoría del camino que quiere seguir para deslindarse de todas las formalidades vacías que le rodean y llegar al final del viaje en su propia muerte. Es el momento de ver con claridad todo lo establecido en la sociedad moderna, que no funciona, a medida que se le quita el miedo inicial, adquiere conciencia que lo vuelve más crítico con lo que le rodea. Finaliza con la muerte de Altazor es la figuración de la muerte del lenguaje

Vicente Huidobro:

(Santiago, 1893 - Cartagena, Chile, 1948) Poeta chileno fundador del Creacionismo, movimiento poético vanguardista. Fue además uno de los impulsores de la poesía de vanguardia en América Latina.

Vicente Huidobro nació en el seno de una familia de la elite oligárquica, vinculada a la gran propiedad agrícola, a la banca y a la política. Cursó la enseñanza primaria con institutrices privadas y la secundaria en el Colegio de San Ignacio de la Compañía de Jesús. Aunque fue crítico con la enseñanza jesuítica, tomó de ella una postura elitista ante la vida.

Desde su juventud realizó frecuentes viajes por Europa, que le valieron un profundo enriquecimiento cultural y una depuración de sus gustos estéticos. Particularmente intenso desde la experiencia intelectual fue el largo período en que residió en París, ciudad a la que llegó en 1916, en plena guerra mundial; allí conoció a Picasso, Juan Gris, Max Jacob y Joan Miró, entre otras figuras de la cultura del momento. Escribió en revistas literarias junto a poetas como Apollinaire, Réverdy, Tzara, Breton y Aragon; es decir, lo más granado de la poesía francesa del momento.

El creacionismo: Al periodo parisino corresponde la fundación del Creacionismo, en la que situaba al creador artístico a la altura de un demiurgo capaz de insuflar a su creación un aliento vital tan poderoso que se podría medir, incluso, con las creaciones de la propia Naturaleza. Así, para Huidobro el artista no debía limitarse a imitar la Naturaleza (de ahí el título de su el manifiesto creacionista: Non serviam, "no serviré"), sino que debía mantener con ella una especie de competición en la que podía mostrar el vitalismo de su propia obra. Es la famosa tesis que sintetizó en la fórmula: ¿Por qué cantáis la rosa, ¡oh poetas!? / Hacedla florecer en el poema.

Creador del creacionismo.Nació en Chile en 1893. Se traslado a París en  1916, donde entro en contacto con los movimientos vanguardistas vigentes, y con las principales cabezas de la vanguardia europea.El 1918 llego a España, allí marco el nacimiento de las generaciones que pretendían romper con el arte anterior a la guerra del 14.  Se instala en París de la Primera Guerra y publica Adán (1916), obra que cierra el período inicial de su formación.

Fue creacionista hasta los últimos años de su vida, 1948, tanto que mando escribir en su lapida: “abrid esta tumba: al fondo se ve el mar”

En 1921 aparece en Madrid el primer número de Creación Revista Internacional de Arte, fundada y dirigida por el.

En 1946 se instala en Cartagena, balneario costero de la región central del país

En 1947 sufre en Cartagena un derrame cerebral que se atribuye a una consecuencia de sus heridas de guerra. El 2 de enero de 1948 muere en su casa de Cartagena y es enterrado, de acuerdo a sus deseos, en una colina frente al mar.

Contexto histórico:

Iniciado en París por el poeta chileno Vicente Huidobro y el francés Pierre Reverdy, alrededor de 1916. A comienzos del siglo XX, el mismo Huidobro lo introduce en España en 1919. Se desarrolló en el primer tercio del siglo XX. Movimiento creado a fines de la Primera Guerra Mundial entre1914 y 1918 y la Revolución Rusa en octubre de 1917. Una época dominada por las transformaciones y el progreso científico y tecnológico. Supone antes que la facultad de una verdadera creación original, el afán, por parte del poeta, de introducirse él mismo, incluso de una manera exaltada o subversiva, en los entresijos del lenguaje, con la aspiración de crear un poema, tomando de la vida sus motivos y transformándolos para darles una vida nueva e independiente. Tal es el criterio de su máximo teorizador, el ya citado Vicente Huidobro (18931948), para quien «la poesía es el lenguaje de la creación. Por eso, dice, sólo los que llevan el recuerdo de aquel tiempo, sólo los que no han olvidado los vagidos del parto universal, ni los acentos del mundo en su formación, son poetas», porque,«el poema creacionista, según afirma en otro manifiesto, se compone de imágenes creadas, de situaciones creadas, de conceptos creados; no escatima ningún elemento de poesía tradicional, sólo que aquí esos elementos son todos inventados, sin ninguna preocupación por lo real o por la verdad anterior al acto de realización. No hay poema si no hay lo inhabitual. El poeta consiste en tener tal dosis de humanidad especial, que confiere a todo lo que pasa a través de su organismo una electricidad atómica profunda, un calor jamás dado por otros a esas mismas palabras, un calor que hace que las palabras cambien de dimensión y de color.

EL EXISTENCIALISMO

El existencialismo es un movimiento filosófico que  nace con  filosofos franceses como Juan Paul Sartre   ,este movimiento se caracteriza por criticar y buscar soluciones a los estragos y dramas socio-filosóficos. Estos se ocasionaron en su mayoría por las guerras, en especial la segunda guerra mundial. Los existencialistas son una familia de filósofos que tienen devoción a una interpretación de la existencia humana en el mundo que enfatiza su específico y problemático carácter. Como movimiento consciente de sí mismo, es primeramente un fenómeno del siglo ,situación cultural y política de crisis- y por ello en cierto sentido es expresión de la desorientación y desarraigo, producidos por los cambios en la cultura, valores y principios que caracterizaron esa sociedad durante una época histórica determinada. Pero, la filosofía existencialista, se halla arraigada en la tradición filosófica, sobre todo en el pensamiento de la modernidad y en el modo en que este planteó sus problemas fundamentales.A su vez, se puede señalar que unas de las filosofías mas controvertidas y de mayor difusión en le siglo XX es el existencialismo. Estas corrientes tienen sus inicios después de la primera guerra mundial, cuyas resonancias al igual que las de la segunda guerra mundial- son verdaderamente críticas.La filosofía existencial, o existencialismo, se interesa en reflexionar sobre el sentido de la existencia y de la muerte, por encima de cuestiones abstractas que supuestamente encubren los conflictos del hombre. La preferencia por estas temáticas hace  del existencialismo una filosofía de interés para todos.

El existencialismo nace como una reacción frente a las tradiciones filosóficas imperantes, tales como el racionalismo o el empirismo, que buscan descubrir un orden legítimo dentro de la estructura del mundo observable, en donde se pueda obtener el significado universal de las cosas. En los años 1940 y 50, existencialistas franceses como Jean-Paul Sartre, Albert Camus y Simone de Beauvoir dieron a conocer escritos académicos y/o de ficción que popularizaron temas existenciales del tipo de la libertad, la nada, el absurdo, entre otros. Walter Kaufmann describió al existencialismo como "el rechazo a pertenecer a cualquier escuela de pensamiento, el repudiar la adecuación a cualquier cuerpo de creencias, y especialmente de sistemas, y una marcada insatisfacción hacia la filosofía tradicional, que se marca de superficial, académica y alejada de la vida".

Es la filosofía de la existencia, el movimiento filosófico y humanístico europeo, identificado por la concepción según la cual "la existencia precede a la esencia" (Jean-Paul Sartre), y que se popularizó a partir de la crisis y crítica social y moral, a raíz de los estragos y dramas sociales y filosóficos ocasionados por las grandes guerras europeas del siglo XX, especialmente, la segunda guerra mundial.

Al existencialismo se le ha atribuido un carácter vivencial, ligado a los dilemas, estragos, contradicciones y estupidez humana. Esta corriente filosófica discute y propone soluciones a los problemas más propiamente inherentes a la condición humana, como el absurdo de vivir, la significancia e insignificancia del ser, el dilema en la guerra, el eterno tema del tiempo, la libertad, ya sea física o metafísica, la relación dios-hombre, el ateísmo, la naturaleza del hombre, la vida y la muerte. El existencialismo busca revelar lo que rodea al hombre, haciendo una descripción minuciosa del medio material y abstracto en el que se desenvuelve el individuo (existente), para que éste obtenga una comprensión propia y pueda dar sentido o encontrar una justificación a su existencia. Esta filosofía, a pesar de los ataques provenientes con mayor intensidad de la religiosidad cristiana del siglo XX, busca una justificación para la existencia humana. El existencialismo, de acuerdo a Jean-Paul Sartre, dice que en naturaleza humana la existencia precede a la esencia (lo que para algunos es un ataque a dogmas religiosos), pensamiento iniciado por Aristóteles y proseguido en Sartre, quien indica que los seres humanos primero existimos y luego adquirimos esencia; es decir, sólo existimos y mientras vivimos, vamos aprendiendo de los demás humanos que han inventado cosas abstractas, desde Dios hasta la existencia de una esencia humana previa, el humano entiende Sartre se libera en cuanto se realiza libremente y esa es su esencia, su esencia parte desde sí para-sí .

CARACTERISTICAS DEL EXISTENCIALISMO:

·         La característica principal del existencialismo es la atención que presta a la existencia concreta, individual y única del hombre, por lo tanto, en el rechazo de la mera especulación abstracta y universal.

·         Debido a la diversidad de posiciones que se asocian al existencialismo, el término no puede ser definido con precisión. Se pueden identificar, sin embargo, algunos temas comunes a todos los escritores existencialistas. El término en sí mismo sugiere un tema principal: el énfasis puesto en la existencia individual concreta y, en consecuencia, en la subjetividad, la libertad individual y los conflictos de la elección.

·         la mayoria de escritos eran de carcter personal ,se escribian  ensayos y obras de teatro como las de Sartre. escribian muchas novelas en prosa  como albert camus .

·         No solo la razón descubre la realidad: también sentimientos básicos como la angustia y frustración la descubren.

·         El pesimismo: los existencialistas se caracterizan por un remarcado pesimismo en sus ideas.

·         El hecho de crear su propia esencia: el existencialismo plantea que solo el hombre existe y que a pesar de haber un pesimismo remarcado se encuentra un positivismo en poder crear la propia esencia.

·         Su popularidad se dio después de la segunda guerra mundial pues era una salida de pensamiento a la bancarrota de valores que dejó la guerra.

·         Las cosas son pero solo existe el hombre: el hombre es el único que se crea su mundo y el existencialismo se concentra en esto se toman como sinónimos existencia al hombre y a la existencia, dado eso las cosas son pero no existen, solo el hombre existe de verdad en función de su libertad.

·         Positivamente afirma la existencia humana y concreta.

·         Sus representantes mantenían una lucha con el racionalismo que terminó con Hegel.

·         Su existencia es libre y precede a la esencia.

·         El hombre es libre.

·         Salir de la propia conciencia para dirigirse hacia el Mundo: El hecho de existir consiste en estar en el mundo e interactuar con el entorno creando la esencia de las cosas saliendo de la propia conciencia.

·         La existencia es tomada como trascendencia: ya que consiste en reconocer lo externo.

·         Los valores son creaciones de la libertad humana: eso se da gracias a que solo el hombre existe y crea sus ideas del mundo.

AUTOR Y SU OBRA

 ALBERT CAMUS :

Albert Camus ( Francés:  , 7 nov 1913 a 4 en 1960)

Era un autor frances, periodista y filósofo. Sus puntos de vista han contribuido al surgimiento de la filosofía conocida como el absurdo . Él escribió en su ensayo " El hombre rebelde "que toda su vida se dedicó a oponerse a la filosofía del nihilismo sin dejar de ahondar profundamente en la libertad individual. Aunque a menudo citado como un defensor del existencialismoEn 1949, Camus fundó el Grupo de Coordinadores Internacionales dentro del movimiento sindical revolucionario después de su ruptura con los ciudadanos movimiento Garry Davis del mundo, de los cuales el surrealista André Breton era también un miembro. La formación de este grupo, de acuerdo con Camus, era "denunciar dos ideologías encontradas tanto en la URSS y el EE.UU. "en relación con su idolatría de la tecnología. Camus fue concedido el 1957 Premio Nobel de Literatura "por su importante producción literaria, que con clarividente seriedad ilumina los problemas de la conciencia humana en nuestro tiempo". Él fue el segundo receptor más joven del Premio Nobel de Literatura , después de Rudyard Kipling , y el primer afro-escritor de origen para recibir el premio.  Él es la. vida más corta de cualquier premio Nobel de literatura hasta la fecha, por haber muerto en un accidente automovilístico poco más de dos años después de recibir el premio .

 ALBERT Y SU CARRERA LITERARIA :

Su obra, caracterizada por un estilo vigoroso y conciso, refleja la philosophie de l’absurde, la sensación de alienación y desencanto junto a la afirmación de las cualidades positivas de la dignidad y la fraternidad humana. De las obras de teatro que desarrollan temas existencialistas, “Calígula” (1945) es una de las más conocidas. Aunque en su novela “La Peste” (1947) Camus todavía se interesa por el absurdo fundamental de la existencia, reconoce el valor de los seres humanos ante los desastres. Sus obras posteriores incluyen la novela “La caída” (1956), inspirada en un ensayo precedente, “El hombre rebelde” (1951); la obra de teatro “Estado de sitio” (1948); y un conjunto de relatos, “El exilio y el reino” (1957). Colecciones de sus trabajos periodísticos aparecieron con el título de “Actuelles” (3 vol., 1950, 1953 y 1958), y “El verano” (1954). “Una muerte feliz” (1971), aunque publicada póstumamente, de hecho es su primera novela.

CAMUS COMO ESCRITOR:

no camines detras mio yo no podre conducirte

no camines en frente mio yo no podre seguirte

solo camina a mi lado y se mi amigo¨¨

*No la gustaba el pensamiento discursivo ni la disputa bizantina.

*Presenta sus ideas con vivacidad, nutriéndose de descripciones existenciales y de referencias históricas concretas.

*No valoraba las abstracciones.

*Prefería la presentación de temas morales o filosóficos en situaciones vitales.

*Todas las obras de Camus, tienen como fondo Argelia.

SU OBRA

EL EXTRANJERO :

Resumen de la obra: “El Extranjero”

 

RESUMEN:

En El extranjero se nos presenta la vida de Meursault que siente y actúa de manera diferente a los demás. Lo hacen particular su falta de emociones, su conciencia pasiva, cansada y aburrida, todo le da lo mismo y posee una sensibilidad que llega a la crudeza. Rehúsa mentir respecto al mundo de sus sentimientos.Meursault, el personaje principal de esta obra, es un hombre sencillo cuya vida y felicidad se basan esencialmente en la rutina. Pero la primera frase del libro ya altera esa tranquilidad: Hoy, mamá ha muerto. Aunque ni siquiera este suceso parece alterarle demasiado, la muerte de su madre simplemente le parece algo molesto porque altera esa rutina que tanto le gusta y busca volver a ella cuanto antes. Esto hace que Meursault parezca un hombre sin sentimientos, insensible, al que la muerte de su madre no parece importar demasiado.Poco después algo más alterará la rutinaria vida de Meursault. Éste comete unasesinato y mientras espera en la cárcel al juicio y su resolución, reflexiona sobre sus actos. En el momento en el que comete este asesinato, Meursault ya se da cuenta de que este acto le traerá muchos problemas. Pero aunque sea consciente de su acto, no se siente moralmente culpable ni le importa haber matado a un hombre. Una vez más, lo que más le importa es que se ha alterado su vida cotidiana. Incluso estando en la cárcel, no se siente demasiado mal porque ha encontrado una nueva rutina."Trama que avanza junto a uno, y que sorprende por su evolución. Sorpresa que además comparte con el protagonista, narrador de la historia que nos ofrece como una puerta abierta su mundo interior y exterior.

COMENTARIO

 el extranjero esta escrita en prosa y la  historia  transcurre en Argelia, La obra no describe una época como tal, pero esta obra fue escrita por Albert Camus en 1942, año en el que se iba ya acabando la segunda guerra mundial. Es una denuncia frente a una sociedad que olvida al individuo y le priva de un sentimiento de pertenencia activa en la comunidad. Esta novela está enmarcada dentro de la corriente llamada Existencialismo porque esta desarrolla un tema de esta corriente como es el absurdismo con un personaje llamado Meursault, quien era un hombre sencillo,quien refleja la filosofía de lo absurdo, la sensación de desencanto frente a la vida. Como el aburrimiento, la cotidianidad lo van haciendo insensible, indiferente y hasta casi despiadado.los temas  principales del extranjero eran la ética, la humanidad, el amor, la justicia y la política, reflejado en cada fragmento de esta obra.  en la lectura del relato se da un efecto narrativo en primera persona que aparece escrito en tercera. Se señala que el “yo” equivale a un “él”,obra El Extranjero del escritor, Albert Camus está asociada al Existencialismo, debido a la importancia en ella de temas como el absurdo y futilidad de la existencia, la indiferencia del universo y la necesidad del compromiso en una causa justa. El extranjero, revela la influencia del existencialismo en su pensamiento.

DADAISMO

El Dadaísmo en Nueva York (1915-1920)

Duchamp, Picabia, Jean Crotti, como europeos refugiados, junto con los estadounidenses Man Ray, Morton Schamberg y otros dan vida al Dadaísmo neoyorquino.

Duchamp llegó de París a Nueva York con un regalo de los franceses para los estadounidenses(particularmente para el coleccionista Walter Arensberg) que consistía en una bola de cristal con aire de París. Era el comienzo de los ready-mades (una rueda de bicicleta montada sobre un taburete, un botellero, un orinal, etc.), objetos sacados de la realidad y puestos en la esfera del arte por la simple acción y voluntad del artista. El deleite estético estaba fuera de sus intenciones y la elección de los objetos:

...se basaba en una reacción de indiferencia visual, con la total ausencia de buen o mal gusto... de hecho una completa anestesia...

Duchamp

Estos refugiados se integraron con las corrientes vanguardistas que desde comienzos del siglo se estaban gestando en Harlem, Greenwich Village y Chinatown. Aunque Nueva York no era Zúrich, ni existía ese clima de refugiados políticos de la ciudad suiza, el espíritu iconoclasta. La mayoría de artistas dadaístas tenían un pensamiento nihilista.

En 1913 tuvo lugar en Nueva York la Exposición Internacional de Arte Moderno, más conocida como el Armory Show. Allí, el Desnudo descendiendo una escalera de Marcel Duchamp causó una auténtica conmoción y fue calificada de obra maestra por Breton. Duchamp se convirtió en la bestia negra del arte moderno. Marcel Duchamp ha pasado a la historia como uno de los artistas más enigmáticos e inteligentes.

La obra más importante de Duchamp es La casada desnudada por sus solteros. Ya conocida en como el gran vidrio. En esta obra, entre otras cosas, Duchamp utiliza técnicas en las que pone de manifiesto su preocupación por la corrección matemática en el uso de las formas. La pieza está precedida en su proceso de realización por multitud de dibujos en los que calculó todos los detalles con precisión matemática, como si se tratara de una máquina. También utiliza el azar al admitir como parte de la pieza las roturas que ésta sufrió en 1923 al ser trasladada a una exposición en Brooklyn. Duchamp dijo que aquello no alteraba la pieza, sino que era entonces cuando la daba por acabada.

Man Ray desarrolló el Dadaísmo en pintura, fotografía y en la fabricación de objetos antiarte. Hans Richter lo define como un inventor pesimista, transformando objetos que le rodeaban en objetos inútiles, creando obras con subtítulos como: "objeto para ser destruido", o "haciendo fotografías sin cámara".

En marzo de 1915 nace la revista 391 por Picabia y Stieglitz. El nombre de la revista lo habían tomado del número de la casa ocupada por una galería de arte en la Quinta Avenida. La revista pone sobre la mesa las ideas del antiarte: una absoluta falta de respeto por todos los valores, liberación de todos los convencionalismos sociales y morales y destrucción de todo aquello que se conoce como arte. Para Duchamp y Picabia el arte está muerto; el Dadaísmo quería la desintegración de la realidad y los ready-mades no son arte, sino antiarte.

El Dadaísmo en Nueva York tendrá un importante apoyo del fotógrafo Alfred Stieglitz, su galería 291 y su revista Camera Work. Para Stieglitz y el grupo de jóvenes fotógrafos que aglutinó bajo el movimiento conocido como Photo Secession, la fotografía podía ser también vista y hecha como arte, y no simplemente como un medio de reproducir la realidad. Así, Stieglitz se convirtió en uno de los precursores de la fotografía moderna.

DADAISMO

MARCEL DUCHAMP

OBRA: EL GRAN VIDRIO

CARACTERÍSTICAS LITERARIAS


La literatura dadaísta impone el azar como medio para escribir, pero sin embargo mantiene sustratos de coherencia, lo que permite que la mayoría de sus escritos sean entendibles, aunque no todos. Por ejemplo, al leer el Primer Manifiesto Dadá (año) es claro lo que Tzara intenta comunicar, aunque descifrarlo se torne difícil por momentos. En “Siete Manifiestos Dadá”, Tzara propone al lector una fórmula infalible para escribir poemas:
Tome un periódico
Tome unas tijeras
Elija en ese periódico un artículo que tenga la extensión que usted quiera dar a su poema
Corte el artículo
Corte en seguida con cuidado cada una de las palabras que constituyen ese artículo y póngalas en una bolsa
Agite suavemente
Extraiga luego cada trozo uno tras otro en el orden en que salen de la bolsa
Copie concienzudamente
El poema será la viva imagen de usted
Y usted será “un escritor infinitamente original y de una exquisita sensibilidad, aunque el vulgo no lo comprenda”

Los dadaístas emplean juegos de palabras, onomatopeyas, con un amplio uso de metáforas y comparaciones. También relacionan las palabras no por significado sino por su sonido, es decir que escriben oraciones enteras en que los términos no se vinculan por su sentido técnico. Estos métodos, sin embargo, no incluyen a todos los escritos. Estos pueden ser divididos entre los que respondían con exactitud a todos los métodos de la poesía dadaísta inicial, y los que tendían a alejarse de ellos, para lograr composiciones apenas más tradicionales.
Los primeros se caracterizan por respetar la sintaxis en muy pocas ocasiones. En cambio, predomina la asociación libre de imágenes, las onomatopeyas, e incluso la enumeración de objetos que llevan a cabo acciones. Los siguientes poemas son los más destacados dentro de esta categoría:


El domador de leones recuerda:
mírame y se color
más tarde
tu reír como sol por liebres por camaleones
aprieta mi cuerpo entre dos líneas anchas que el hambre sea claridad
duerme duerme ¿ves? Somos pesados antílope azul sobre glaciar oreja en las piedras bellas fronteras oye la piedra –
viejo pescador frío grande con letra nueva aprender las muchachas de hilo de hierro, y azúcar giran largamente los frascos son grandes como los parasoles blancos oye rueda rueda roja
en las colonias
recuerdo olor de limpia farmacia vieja sirvienta
caballo verde y cereales
cuerno grita
flauta
equipajes corrales oscuros
muerde sierra ¿quieres?
horizontal ver
Triztan Tzara, año 1918
Sonido poético
Gaddi beri bimba
Glandridi lauli lonni Cajori
Gadjama bim beri glassala
Glandridi glassala tuffm i zimbrabim
Blassa galassasa tuffm i zimbrabim...


(Hugo Ball, año 1916)

Este último es un ejemplo de poesía fonética o sonora. Esta es aquella que evita utilizar las palabras como forma de componer un texto. Está estructurado en sonidos que precisan una realización acústica, ya que posee una estrecha conexión con la música: en ellos se desarrollan los elementos básicos, intensidad, tiempo, tono, sonido.
Fue el futurismo quien comenzó el trabajo, al eliminar los adjetivos, verbos, y signos de puntuación, hasta llegar a la base más primitiva del idioma, pero fueron los dadaístas quienes profundizaron en este tipo de poesía. Hugo Ball leyó por primera vez su poema “Gadgi beri bimba” en el Cabaret Voltaire:


gadji beri bimba glandridi laula lonni cadori
gadjama gramma berida bimbala glandri galassassa laulitalomini
gadji beri bin blassa glassala lalula lonni cadorsu sassala bim
gadjama tuffm i zimzalla binban gligla wowolimai bin beri ban
o katalominai rhinozerossola hopsamen laulitalomini hoooo
gadjama rhinozerossolola hopsamen
bluku terullala blaulala loooo
zimzim urullala zimzim urullala zimzim zanzibar zimzalla zam
elifantolim brussala bulomen brussala bulomen tromtata
velo da bang bang affalo purzamai affalo purzamai lengado tor
gadjama bimbalo glandridi glassala zingtata pimpalo ögrögöööö
viola laxato viola zimbrabim viola uli paluji malooo
tuffm im zimbrabim negramai bumbalo negramai bumbalo tuffm i zim
gadjama bimbala oo beri gadjama gaga di gadjama affalo pinx
gaga di bumbalo bumbalo gadjamen
gaga di bling blong
gaga blung


Luego encontramos los poemas que no llevan tan lejos la simplificación de los idiomas. Respetan en mayor medida las reglas de sintaxis, se vuelven más fáciles de entender, más coherentes. La característica más importante de estos poemas es que respetan dos elementos de la poesía tradicional, la rima y el ritmo. Es importante señalar que esto no fue una evolución a través del tiempo, en el que gradualmente se volvieron más tradicionales, sino que fueron contemporáneos, y un artista en un mismo mes creaba un poema fonético y un poema del tipo de El domador de Leones Recuerda. Ejemplos perfectos de esto son los siguientes escritos:


Canción Dadá:
I
la canción de un dadaísta
que tenía dadá en el corazón
cansaba demasiado su motor
que tenía dadá en el corazón

el ascensor llevaba un rey
pesado frágil y autónomo
cortó su gran brazo derecho
lo envió al papa en roma

por ello
el ascensor
ya no tenía dadá en el corazon
coman chocolate

laven su cerebro
dadá
dadá
beban agua

II
la canción de un dadaísta
que no era alegre ni triste
y amaba una bicicleta
que no era alegre ni triste

pero el esposo el primer día del año
sabía todo y en una crisis
envió al vaticano
sus dos cuerpo en tres valijas

ni amante
ni ciclista
eran ya ni alegres ni tristes
coman buenos cerebros

laven a su soldado
dadá
dadá
beban agua

III
la canción de un biciclista
que era dadá de corazón
que era por ello dadaísta
como todos los dadás de corazón

una serpiente llevaba guantes
cerró pronto la sopapa
se puso guantes de piel de serpiente
y fue a abrazar al papa

es conmovedor
vientre en flor
ya no tenía dadá en el corazón
beban leche de pájaro

laven sus chocolates
dadá
dadá
coman ternero

El literato:
Soy el gran mayo Vauvert.
Voy y vengo sobre cien llamas.
Me arrodillo ante los altares de arena.
Estrellas violetas hay en mi túnica.
El tiempo sale de mi boca.
Abarco la Humanidad con ojos y oídos.

Soy el falso profeta de las profundidades
que habita bajo las ruedas del sol.
Desde los mares, precedido por oscuras trompetas,
vuelo entre los vapores del reino de la mentira
Golpeo el tímpano con gran ruido.
Cuido de los cadáveres en las cascadas.

Soy el secreto hereje sonriente
Le he cantado a la histeria
en sus distintas formas.
Un burlón, un poera, un literato:
a las palabras doy estado permanente.
Hugo Ball, año 1916


Vale resaltar que Hugo Ball escribió ambas obras (El Literato y Sonido Poético) con meses de separación.

Toda esta innovación dentro de la literatura y el teatro acentuó los llamados espectáculo-provocación. La forma escénica de manifestar el arte es parte importantísima de la ideología dadá. Las obras teatrales más importantes realizadas por estos artistas fueron El corazón de Gas, del año 1921, que fue dividida en tres actos y carecía de una línea argumental, y cuyos personajes eran ridículos y los diálogos estúpidos, alternados con pedazos de poesía, y Pañuelo de nubes, de 1924, que encara los problemas de la poesía de forma crítica.
En cuanto a las novelas, el dadaísmo no pareció incursionar mucho en el área. Tzara y Ball escribieron ensayos, pero Tzara interrumpió el suyo por insatisfacción, que se llamaba Jueguen sus juegos, en 1923, y Ball terminó pero no publicó “La historia de la putrefacción de nuestros días”.

En poesía el Dadaísmo abre el campo para la llegada del surrealismo y ayuda a crear un lenguaje poético libre y sin límites. Para entender qué es la estética dadaísta en el mundo de la poesía nada mejor que recoger los consejos que Tzara propone para hacer un poema dadaísta. El texto fue publicado en la recopilación Siete manifiestos dadá, «Dadá manifiesto sobre el amor débil y el amor amargo», VIII (1924).
Coja un periódico
Coja unas tijeras
Escoja en el periódico un artículo de la longitud que cuenta darle a su poema
Recorte el artículo
Recorte en seguida con cuidado cada una de las palabras que forman el articulo y métalas en una bolsa
Agítela suavemente
Ahora saque cada recorte uno tras otro
Copie concienzudamente
en el orden en que hayan salido de la bolsa
El poema se parecerá a usted
Y es usted un escritor infinitamente original y de una sensibilidad hechizante, aunque incomprendido del vulgo.
El Dadaísmo dejó como legado las revistas y el manifiesto, que son la mejor prueba de sus propuestas. Pero, por definición, no existe una obra dadá. Lo propio del dadaísmo eran las veladas dadá realizadas en cabarets o galerías de arte donde se mezclaban fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y un ceremonial continuo de provocación.
Aunque los dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad.

FUTURISMO

"El tiempo y el espacio murieron ayer. Nosotros vivimos dentro del absoluto, porque hemos creado la eterna velocidad omnipresente".

Con esta ingenuidad se veía al principio de este siglo el avance de la técnica. El físico Rutherford acababa de representar el átomo y los jóvenes se sentían hijos orgullosos de la Era Atómica, igual que sus románticos abuelos se habían sentido hijos de la Era del Vapor y se habían apresurado en declarar la caída de la cultura clásica en nombre del progreso y del ferrocarril. Es una curiosa coincidencia que el tren de vapor fuera tan profusamente representado por los pintores futuristas. Los jóvenes de 1910 no se dieron cuenta, seguramente, que esta idea fanática del progreso era típica del romanticismo y significaba en cierta medida una regresión histórica.

El movimiento futurista es en realidad un exponente de la crisis cultural del siglo XX, que tuvo como consecuencia más inmediata las dos guerras mundiales. El futurismo, como todos lo movimientos románticos, surge con la fuerza y el fanatismo de una contracultura. Se lanza contra los museos, las bibliotecas y academia, adopta lógicamente formas políticas -el nacionalismo- y cae cuando estas formas demuestran su falta de consistencia y llevan a Europa a una salvaje guerra de nacionalistas.

"Sólo en la lucha se encuentra la belleza. Una obra sin carácter agresivo no puede ser una obra de arte". Para los futuristas todo es movimiento; el espacio sólo existe como un teatro del movimiento. Hasta el color se convierte en una mancha bulliciosa donde los pigmentos se mezclan y se descomponen caóticamente. En resumen, toda la pintura futurista  se basa en una sensación óptica; en las telas se representa el movimiento por superposición de imágenes, de la misma manera que en el cine.

En principio la idea de "simultaneidad", descubrimiento de los pintores futuristas, tenía que ser algo más que una pura representación de imágenes superpuestas: caballos de veinte patas, hombres de muchas cabezas. El principio de simultaneidad tiene también una interesante versión psicológica: situaciones diferentes -recuerdos, analogías, emociones- se pueden mezclar simultáneamente en nuestra conciencia; pero este aspecto fue marginado por los pintores futuristas, que se dejaron llevar por la representación fotográfica del movimiento y por el efectismo de la presa. Más tarde, Delaunay, al crear el simultaneismo, aprovecha más profundamente las posibilidades plásticas de este descubrimiento.

Orígenes y desarrollo

El fundador y alma del futurismo tenía que ser el poeta italiano Filippo Tomasso Marinetti (1876-1944). El 20 de febrero de 1909 publicó en el periódico Le Figaro el "Primer manifiesto del futurismo". El 11 de abril del mismo año se proclamó otro manifiesto más técnico.

Los mítines y las manifestaciones futuristas acababan normalmente en batalla campal. Sus dirigentes eran maestros en el arte de la propaganda y habían captado la importancia que en aquella época se daba al sensacionalismo. Las publicaciones futuristas utilizaban siempre un tono altisonante digno de figurar en las páginas de sucesos de un periódico sensacionalista; de aquí viene que el movimiento consiguiera tanta popularidad.

En Francia el futurismo pronto quedó absorbido por el cubismo. En Inglaterra, bajo el impulso de Lewis, daría nacimiento al vorticismo. En España tuvo cierta repercusión en la poesía de Salvat-Papasseit. La primera guerra mundial puso fin a todos los aciertos, y también a todos los excesos de la escuela futurista. Sólo Marinetti intentó sobrevivir con las teorías adaptando el futurismo a los ideales de la Italia fascista. En 1929 los últimos supervivientes de la escuela proclamaron el "Manifiesto de la aeropintura", que pretendía inspirarse en las sensaciones del vuelo y en la técnica de la aviación. Pero la nueva tendencia, con su reducido campo de acción, era ya un testimonio de la muerte del futurismo.

Desde el punto de vista histórico, el futurismo surge como una natural evolución de las ideas postimpresionistas. Para dar una imagen estricta y analítica de la realidad, los futuristas necesitaban utilizar un análisis de los colores y de las formas. Seurat y el divisionismo les daban resuelto el primer problema cromático. Picasso y los cubistas aportaban soluciones para el segundo aspecto: la descomposición de las formas y la distribución de los diferentes planos del cuadro.

El futurismo aportaba, sin embargo, algunas ideas originales a la estética cubista. El fin primordial de la nueva tendencia era acentuar los efectos del movimiento. Y en este aspecto el cubismo, en términos generales, podía pasar por ser una pintura estática. Los futuristas pagaron, pues, la deuda que tenían con el cubismo activando su desarrollo y obligándolo a prestar más atención a los procesos dinámicos.

Características

Las características del futurismo han sido resumidas por los mismos pintores del movimiento:

Ø  Todas las formas de imitación deben ser menospreciadas y todas las formas de originalidad deben ser glorificadas.

Ø  Debemos rebelarnos contra la tiranía de las palabras armonía y buen gusto (con este tipo de expresiones, demasiado elásticas, sería fácil demoler las obras de Rembrandt, Goya y Rodin).

Ø  Las críticas de arte son inútiles o perjudiciales.

Ø  Es necesario hacer limpieza de temas corrompidos y inútiles para poder expresar el remolino vertiginoso de la vida moderna, una vida de acero, fiebre, orgullo y temeraria velocidad.

Ø  La acusación de "locos" que se ha utilizado para tener amordazados a los innovadores, debe ser considerada un noble y honorable título.

Ø  El complementarismo en pintura es una necesidad absoluta, como el verso libre en poesía y la polifonía en música.

Ø  El dinamismo universal tiene que ser plasmado en pintura como una sensación dinámica.

Ø  La sinceridad y la virginidad son necesarias, en grado mayor que otro tipo de cualidades, para la interpretación de la naturaleza.

Ø  El movimiento y la luz destruyen la materialidad de los cuerpo

Estética y formas

Uno de los grandes propósitos de futurismo era poner al espectador en el centro mismo de la tela. Esta idea no era estrictamente original, ya que también Cézanne, Matisse y sus seguidores defendían este tipo de pintura. Los futuristas, sin embargo, obtuvieron de este principio una posibilidad de expresar mejor el movimiento.

El invento del cinematógrafo había acostumbrado al espectador a seguir el proceso de una fotografía que se pone en movimiento. Mediante una rápida superposición de imágenes en la retina, el cine había conseguido un sorprendente efecto dinámico; en este mismo principio se basarían los futuristas para obtener la ilusión de movimiento. Desplazando las líneas fundamentales de un objeto se reproducía su dinamismo; para realzar este efecto, utilizaban una vieja técnica que Cézanne ya había usado: la solidificación de la atmósfera.  El futurismo no pasó nunca de ser un arte simbólico, esencialmente intelectual; surgía de una intuición literaria o filosófica y buscaba una expresión plástica. Por eso tuvo una duración muy corta y fue abandonado por muchos artistas que lo habían creado. Sus posibilidades plásticas eran muy limitadas.

Los pintores futuristas estaban conmocionados por un remolino vertiginoso de emociones. Sonidos, olores, colores, formas...; era necesario pintarlo todo.

"En las estaciones, garajes y hangares, en el mundo de la mecánica y del deporte, los sonidos, los ruidos y los olores son casi siempre rojos; en los restaurantes, cafés y salones, son argentados, amarillos y violáceos; mientras que los sonidos, ruidos y olores de los animales son amarillos y azules, los sonidos y los olores de la mujer son verdes, azul cielo y violáceos."

El colorido es el aspecto más importante de la pintura futurista. Sus dibujos, pero, son superficiales sin excepción.

EXPRESIONISMO


CONTEXTO HISTÓRICO


Es un movimiento artístico que nace en Alemania después de la primera guerra mundial (1905-1925), al mismo tiempo que el Fauvismo surge en Francia.



El Expresionismo muestra huellas del pesimismo de la Europa de entreguerras, por ello representó el miedo, el horror y la fealdad en sus obras. Se basa más en la expresión de los sentimientos del autor que de la objetividad. Acentúa y deforma la realidad con el objetivo de expresar el lado pesimista de la vida. Es una manera de combate por la defensa del nombre, que después de la primera guerra mundial no quiere reingresar a la sociedad que no había sabido proteger sus ideales de paz.
La crisis alemana
Alemania estaba resuelta a apoyar a su aliado austro-húngaro en caso de conflicto. 

·         Los representantes de este movimiento hablan más de "postura vital" que de una corriente entendida como tal. 
·         Es anticonformista y sus exponentes fueron vistos como iconoclastas.
·         Se basa en la intuición, depura, intensifica e interpreta la realidad, pero nunca se aparta totalmente de ella. Es absolutamente irracionalista.
·         Capacidad para deformar hasta la caricatura, dado que se niega a captar la realidad a través de las huidizas impresiones del momento, estableciendo jerarquías y una "estilización que deriva en deformación. Utilizaron la caricatura, la máscara y, en general, todas aquellas deformaciones y trazos desgarrados que "expresaran" en sí mismos, desdeñando la armonía impuesta por el impresionismo y convirtiéndose en un arte crítico en su búsqueda de nuevas manifestaciones
La literatura expresionista se sirvió de recursos como el "flujo de conciencia", el uso de un lenguaje desgarrado, la presencia constante de la muerte, la violencia y la crueldad, la elaboración de personajes abstractos o genéricos, las narraciones fragmentadas; la crítica a la burguesía y la presencia de lo grotesco como medio de representar la naturaleza humana.  
La Prosa expresionista buscó una nueva forma de captar la realidad, la evolución social y cultural de la era industrial. Por ello, los autores se opusieron al encadenamiento argumental, a la sucesión espacio-tiempo 
En un contexto de creciente enfrentamiento entre las potencias, durante la década anterior a la guerra tuvieron 
lugar cuatro crisis internacionales que marcaron la evolución hacia el conflicto generalizado:

Primera crisis marroquí (1905-1906) 
Guillermo II, aprovechando una visita a Tánger, proclamó que Alemania no permitiría que Marruecos pasara a ser dominado por una única potencia. Este desafío precipitó la convocatoria de la Conferencia de Algeciras (1906), a la que fueron convocadas todas las potencias europeas. Alemania quedó aislada y Francia recibió el claro apoyo británico.

La anexión austriaca de Bosnia-Herzegovina (1908)  

Alemania apoyó a su aliado y Rusia se vio forzada a ceder ante la agresión austríaca. Ni Francia ni Gran Bretaña se mostraron dispuestas a apoyar a Rusia en un eventual conflicto. Los búlgaros, como los demás eslavos de la región, veían a Rusia como la gran potencia protectora eslava.
El ambiente en los Balcanes se enrareció aún más en un año en el que la pugna por la hegemonía naval entre Alemania y Gran Bretaña daba una escalada.

El incidente de Agadir en Marruecos (1911)  

El envío de un buque cañonero alemán a Agadir en un claro desafío a Francia provocó una grave crisis que concluyó con la firma de un acuerdo franco-alemán por el que Alemania daba manos libres a Francia en Marruecos a cambio de una parte importante del Congo francés.

Las guerras balcánicas (1912-1913)

Dos sucesivas guerras de los estados balcánicos, la primera contra Turquía y la segunda interna entre ellos (Serbia y Grecia y Montenegro contra Bulgaria) concluyeron con el Tratado de Bucarest (1913).
Las guerras balcánicas provocaron un vuelco en la situación en la zona:
En este ambiente de tensión, el 28 de junio de 1914 fue asesinado el Archiduque Francisco Fernando, sobrino del Emperador Francisco José I y heredero al trono austro-húngaro, en Sarajevo (Bosnia). Un activista serbobosnio, Gavrilo Princip, miembro de la organización nacionalista serbia "La Mano Negra", fue el autor del magnicidio. Este atentado desencadenó una fatal serie de acontecimientos que desembocó en la guerra.


CONTEXTO ECONOMICO

 

La primera mitas del siglo XIX, a través de una serie de indemnizaciones para los dueños de las tierras, los agricultores pasaron a ser verdaderos dueños de las parcelas en que trabajaban; esto mejoró mucho la moral de cara al trabajo del agricultor, esto junto con el aprovechamiento de las nuevas técnicas en los cultivo, hizo que el rendimiento de la tierra se multiplicara enormemente. 
También favoreció el crecimiento de la agricultura el hecho de que la demografía alemana era muy fuerte, por lo que nuevos agricultores pudieron adquirir nuevas tierras para la explotación, con lo que el conjunto de los países alemanes se beneficiaron de tales casos.
La agricultura, con la creación de nuevas técnicas relativas del abono de los campos y su fertilización, junto a un aprovechamiento mejor de las tierras cultivadas, multiplicó por mucho la rentabilidad de las tierras agrarias.
La agricultura gozó de una especial protección por parte del gobierno alemán, ya que se deseaba que el auto-abastecimiento agrario del país no dependiera de países externos; en vísperas del conflicto, Alemania podía proclamar con orgullo de que el 80% del país podía ser abastecido por sus agricultores.
La red ferroviaria alemana, gracias a la cual el transporte de materiales y productos de todo tipo y era importante para el país recibió una seria atención.
Durante el segundo tercio del siglo XIX, Alemania, partiendo de cero, tenía realizó un gran esfuerzo en la construcción de la red vial de ferrocarriles, abarcando en el año 1850 un total de 5.882 Km.; pero ya en el año 1880, la construcción de líneas ferroviarias se disparó a la friolera de 33.865 Km., ¡un aumento más que impresionante!.
El proceso de industrialización se logró gracias a los recursos carboníferos y de minerales que como el hierro, había en los diversos estados alemanes; las cuencas del Ruhr y de la Alta Silesia aseguraron un suministro energético en aceptable condiciones para los alemanes; un ejemplo de ello es la creación gracia a los diversos materiales, de los raíles ferroviarios para el cruce de los trenes.
La creación de empresas de todo tipo supuso para el desarrollo de Alemania un gran impulso, pero las empresas se veían favorecidas en su creación con los préstamos que realizaban a los bancos; estos a su vez hacían que los préstamos importantes no pudieran realizarse sin un capital enorme y solvente.
Por lo tanto, la concentración de los bancos se realizó con gran impulso en el último tercio del siglo XIX, bancos como el Deutsche Bundesbank y otros principales, lograron acaparar gran parte del poder financiero de los estados alemanes, pieza clave para poder realizar préstamos a las principales empresas del país, con el objeto de que desarrollaran sus negocios y enriquecer al país.


CONTEXTO RELIGIOSO

 


La religión en el país era eminentemente protestante (la rama luterana) siendo una mayoría abrumadora sobre otras religiones del país; la católica quizá era la segunda mayor fuerza del país, la cual estaba mayoritariamente instalada el sur de Alemania, en estados como  Baviera o Wurtemberg.
Si embargo aun con alguna que otra diferencia, las relaciones eran llevaderas dentro de lo posible; también había una colonia de judíos instalada en Alemania, quizá rondaran los 400.000 miembros, y aunque había muchos alemanes que detestaban a dichos miembros, parece que la sangre no llegó al río y la armonía con ciertas disensiones existió.
Incluso cuando la guerra estalló, la comunidad judía del país fue movilizada como la del cualquier otra religión, y muchos judíos se distinguieron en combate y condecorados por ello.
Las minorías étnicas instaladas en el país, no fueron de un potencial que pudiera alterar la situación del país, Alemania la víspera de la guerra tenía una población de cerca de 68 millones de habitantes.
Las minorías del país podían cuantificarse en torno a los 5 millones de no alemanes de nacimiento; desgranándose se podían numerar en los alsacianos y loreneses de ascendencia francesa (Alsacia y Lorena pertenecieron a Francia hasta el año 1870).
También había polacos de la región de Silesia y daneses de la región de  Schleswig-Holstein, la cual perteneció a Dinamarca hasta 1864; luego había muchas minorías de origen latino, eslavo neerlandés, pero todas en su conjunto no podían obstaculizar al país, y cuando estalló la guerra, no tuvieron inconveniente en militar en las filas del ejército alemán.


CARACTERÍSTICAS DEL EXPRESIONISMO
·         La literatura expresionista se sirvió de recursos como el "flujo de conciencia" , el uso de un lenguaje desgarrado, la presencia constante de la muerte, la violencia y la crueldad, la elaboración de personajes abstractos o genéricos, las narraciones fragmentadas; la crítica a la burguesía y la presencia de lo grotesco como medio de representar la naturaleza humana.
·         Reconstruye la realidad
·         Relaciona la expresión literaria con artes plásticas y música
·         Expresa la angustia del mundo y de la vida a través de novelas y dramas donde se habla de las limitantes sociales impuesta a la libertad del hombre como la autoridad paterna o conservación.
·         Refleja toda una serie de preocupaciones profundas: la magia, los sueños, la religión y la filosofía orientales, el anhelo de hermandad universal.. En la poesía del expresionismo se encuentra: hondura, variedad renovadora de temas, aspiraciones cósmicas, audacias del lenguaje y de la métrica.
·         Expresa realidad deformada.
·         Responde a este tipo de vanguardia.
·         Tiene una visión atormentada de la vida y el arte.

TEMAS DEL EXPRESIONISMO:

La Guerra, la urbe, la fragmentación, el miedo, la perdida de la identidad individual, el fin del mundo (Apocalipsis), la locura, el amor, el delirio, la naturaleza
Los personajes y las escenas se distorsionaban intencionalmente para producir un fuerte impacto emocional. Propone nuevas técnicas literarias y enfrenta problemas relacionados con el hombre y la vida, presentando sus vivencias más íntimas, sus pasiones interiores, desarticulando la naturaleza exterior.
GENERO LITERARIO:
Es prosa.
En la prosa expresionista destacó la realidad interior sobre la exterior, la visión del protagonista, su análisis psicológico y existencial, donde los personajes se plantean su situación en el mundo, su identidad, con un sentimiento de alienación que les provoca conductas desordenadas, psicóticas, violentas, irreflexivas, sin lógica ni coherencia. Esta visión se plasmó en un lenguaje dinámico, conciso, elíptico, simultáneo, concentrado, sintácticamente deformado
Mantienen la métrica y la rima tradicionales, siendo el soneto uno de sus principales medios de composición, aunque también recurren al ritmo libre y la estrofa polimétrica.
EL ESTILO
El estilo expresionista, se concreta en la rebelión contra la injusticia social, en el desdén hacia los bienes convencionales de la cultura, en el entusiasmo por la naturalidad, en la lucha contra la guerra y el poder y finalmente, en la vaga esperanza de la creación de un mundo nuevo: " Quiero presentar unos seres que respiren, sientan, amen y sufran. El observador debe darse cuenta de lo sagrado que hay en ellos, de manera que se quite el sombrero al mirarlos, como si estuviera en la iglesia", dijo un famoso pintor expresionista.
Recurren a un tono épico, exaltado, patético, renunciando a la gramática y a las relaciones sintácticas lógicas, con un lenguaje preciso, crudo, concentrado. 

ESCRITURA

Narrativa
Los autores expresionistas buscaban una nueva forma de captar la realidad, la evolución social y cultural de la era industrial.  
Se opusieron al encadenamiento argumental, a la sucesión espacio-tiempo y la relación causa-efecto propios de la literatura realista de raíz positivista
Introdujeron la simultaneidad, rompiendo la sucesión cronológica y rechazado la lógica discursiva, con un estilo que muestra pero no explica, donde el propio autor es sólo un observador de la acción, donde los personajes evolucionan de forma autónoma 

Lírica  
Se desarrolló notablemente en los años previos a la contienda mundial, con una temática amplia y variada, centrada sobre todo en la realidad urbana, pero renovadora respecto a la poesía tradicional, asumiendo una estética de lo feo, lo perverso, lo deforme, lo grotesco, lo apocalíptico, lo desolado, como nueva forma de expresión del lenguaje expresionista

Los poetas más destacados en esta corriente son: Franz Kafka y Bertold Brecht.
El artista, con la intención de lograr la representación de una realidad fatal, se preocupa más de la expresión directa de los sentimientos, que del refinamiento de la técnica pictórica, exponiéndose con esto a los cuestionamientos de la crítica.
En su rechazo radical de la figura humana elevada e idealista del siglo XIX, los expresionistas pintan lo feo, lo vulgar y los tabúes al igual que la belleza original de lo natural, ilustrando mediante los contrastes, el horizonte negativo de las experiencias de la vida y el orden equivocado de valores que dan los prejuicios reinantes.
Los escritores expresionistas criticaron la sociedad burguesa de su época, el militarismo del gobierno del káiser, la alienación del individuo en la era industrial y la represión familiar, moral y religiosa, por lo que se sentían vacíos, solos, hastiados, en una profunda crisis existencial. 

OBRA: LA METAMORFOSIS DE  FRANZ KAFKA.


BIBLIOGRAFIA DEL AUTOR 

Franz Kafka nació en Praga, Checoslovaquia en (1883 – 1924). Su padre comerciante y severo exigente, despreciaba a su hijo porque era débil y enfermizo, esta situación explica su carácter tímido y retraído y el complejo de inferioridad que siempre padecía Kafka. pero escritor en Lengua alemana, estudió Derecho y trabajó en una Compañía de Seguros, empleo que comparte con su casi maniaca actividad de escritor. Kafka exteriorizó un carácter inseguro desde pequeño, buscaba desesperadamente la soledad, pues era enfermizo y se creía despreciado por su debilidad física: Su salud se quebranta "n 1905, evidenciando un cuadro de tuberculosis en 1917; sin embargo, en 1906, logró graduarse en Leyes en la U. de Praga y en 1916 escribe su mejor obra La Metamorfosis. A pesar de todo aquí en Praga, Kafka siempre tuvo la sensación de ser un extranjero, puesto que no se integraba a la población checa, en razón de que su idioma era el alemán y a causa de su raza y religión. También por esta época, expresa su descontento en el trabajo y su temor al padre dominante, incapaz de comprender a un ser tan sensible como él. * Kafka, como muchos escritores contemporáneos, no participaron de "Corrientes o Escuelas" en especial, pero se le liga al Expresionismo (por haber tratado el tema del conflicto entre padres e hijos en "La Carta al padre", tema sustantivo del Expresionismo) y también se le relaciona al Preexistencialismo por tratar el eterno problema de la condición humana y plantear, con estremecedora anticipación a Sastre, los caracteres más trágicos de nuestro tiempo. A partir de 1918, es un trashumante: Vive en Praga, Surau, Schiessen, Berlín, y finalmente en el sanatorio de Kierling, donde fallece.

MOVIMIENTO LITERARIO 

Época contemporánea
Novela Género Narrativo
Corriente: Vanguardismo (Expresionismo)

TITULO

Metamorfosis. Su significado inmediato Transformación de algo en otra cosa. El significado profundamente explorado en metamorfosis simboliza el cambio y más que eso la deshumanización

ARGUMENTO DE LA OBRA

Al despertar Gregorio Samsa, una mañana tras un sueño intranquilo, se encontró en su cama convertido en un monstruoso insecto. Gregorio ve su abombado vientre oscuro, sus patas y su caparazón, el los acepta con pasmosa imperturbabilidad; pero el lo acepta con toda naturalidad, esperando que todo se pusiera ala normalidad por que para el tal visión solo era una prolongación de su sueño. Gregorio trata de continuar durmiendo y olvidarse de todo; pero no fue así, comprueba que no puede voltearse sobre el lado derecho y al tranquilizarse se pone a reflexionar sobre su trabajo. En eso su madre toca la puerta preocupada, por su tardanza, entonces Gregorio contesta con una voz deforme y pugna por incorporarse. El padre de Gregorio estaba inquieto, en eso llega el empleado principal de su compañía y pregunta por Gregorio y el le responde desde el otro, lado de la puerta; Su hermana Grete se sentía preocupada y presentía algo anormal en su hermano. Después de varios intentos Gregorio logra abrir la puerta y su presencia asusta al visitante que huye despavorido y gritando, su mamá se desmaya y su papá retrocede poco a poco enseñándole su puño, quien logra hacerle retornar al insecto a su habitación. Al anochecer Gregorio se despierte y se da cuenta que había cambiado sus preferencias en las comidas, luego se instalo debajo de su sofá. Desde ese día solo su hermana Grete se preocupaba por el; en vez de leche la daba comidas descompuestas pero no lograba dominar la repugnancia y el susto que le producía su hermano el insecto; su familia en esos momentos enfrentaba problemas económicos por que Gregorio era el único miembro de su familia que mantean su hogar. Su padre estaba viejo, su madre enferma de asma y su hermana tenia 17 años. Después de dos semanas su madre y hermana ingresan a su cuarto para ambientarlo de acuerdo a su nueva condición de Gregorio pero el cree que no soportara ese ambiente por mucho tiempo. Un día cuando el padre ve a Gregorio Fuera del cuarto, le hace retroceder arrojándole manzanas... una de las manzanas se incrusta en su espalda de Gregorio y le produce una herida que le debilita poco a poco al no sanarse. Llega el día en que su hermana ya no se ocuparía mas de el, sólo lo haría una asistenta; Gregorio se amargaba y se escondió debajo del sofá pues estaba conciente que su familia ya no lo quería. Un día celebraron una cena en su casa, llegaron los huéspedes y se celebro una gran cena, Grete empezó a tocar los acordes del violín, Gregorio maravillado y conmovido por la música abandona su escondite y llega hasta donde la familia se reunía. Su presencia provoca la indignación de unos huéspedes y el enojo de la hermana, quien plantea al instante que era preciso liberarse del insecto. Gregorio retorna a su cuarto triste y exhausto, Grete se apresura y llega al cuarto de su hermano y le cierra con llave, a el duele todo el cuerpo y los dolores le debilitaron más y más, pensaba en su familia que sería de ellos... Pero a las 3 de la mañana ya no podía respirar, ni moverse, su hocico despidió débilmente su aliento y murió.

TEMA
Podemos comprender la deshumanización a que se encuentra sometido el hombre en la sociedad capitalista.

SUBTEMA

El terror de la sociedad a un hombre envuelto en sus problemas y sufrimientos.
El abandono. El poder donde los más fuertes se imponen sobre los débiles. El abandono del Estado a los hombres humildes.

SUCESOS

Inicio
El autor se presenta de una manera extravagante.
Nudo
Se presenta cuando su jefe toca la puerta y ve a Gregorio convertido en un monstruo. 
Desenlace 
Se produce cuando Gregorio muere de tanto sufrir.

PERSONAJES 

Principales:
Gregorio Samsa. - Grete - La madre - El padre.
Secundarios:
Ana la mucama. - El gerente. - La hermana. - La familia - La asistenta.

TIEMPO 

Tiempo Cronológico
La duración de los hechos sucede en aproximadamente un mes y medio, tomando como referencia desde la conversión en insecto de Gregorio Samsa hasta su muerte.

Tiempo Psicológico 
El mundo onírico, el de los sueños, ocupaba un lugar axial en la configuración de la obra de Kafka. El tiempo psicológico son 11 años aproximadamente, tomando como referencia los cinco años del hecho que Gregorio no se enfermaba y la proyección de unos seis años más que no debía prescindir de su empleo como comerciante.

Tiempo Histórico 
Los hechos de la obra históricamente nunca sucedieron.

ESPACIO

·         La casa de la familia de Gregorio Samsa.
·         El cuarto designado para Gregorio.
·         Ciudad imaginaria de Praga
·         Viena
·         Checoslovaquia.

Lenguaje y Estilo
La obra esta escrita en un lenguaje Alemán elegante y culto

Comentario:
Es la deshumanización al no encontrar explicación para sus dramas o estar solitario lleno de angustia vital, parece que la solución es liberarse de la terrible condición humana y el camino es la muerte o la deshumanización como Gregorio Samsa cuya conversión en insecto y su muerte parece que le hubieran liberado de su condición de ser hombre.